miércoles, 2 de octubre de 2013
John Atkison Grimshaw, El maestro del romanticismo pictórico.
John Atkinson Grimshaw (Leeds (Yorkshire del Norte), 6 de
septiembre de 1836 - Leeds, 31 de octubre de 1893)1 fue un "pintor
imaginativo y notable" de la época victoriana2 conocido sobre todo por sus
escenas nocturnas y paisajes.3 4
Firmaba sus primeras pinturas como "JAG", "J.
A. Grimshaw" o "John Atkinson Grimshaw", hasta que se decidió
finalmente por "Atkinson Grimshaw".
John Atkinson Grimshaw Grimshaw, nació en 9 Back Park
Street, en Leeds, hijo de un policía retirado. Se casó en 1856 con su prima
lejana Frances Hubbard (1835-1917). En 1861, con gran disgusto de sus padres,
deja su trabajo en el Great Northern Railway, para iniciar su carrera artística
como pintor. Comenzó a exponer en 1862, ayudado por la "Sociedad
Filosófica y Literaria de Leeds", con pinturas, en su mayoría, de aves,
frutas y flores.5 Grimshaw está principalmente influenciado por los pintores
prerrafaelitas. Fiel a su estilo, que representa los colores y la iluminación
en gran detalle. Posteriormente, pintó paisajes, de temporada o en un momento
determinado.
Hacia 1870, por el éxito obtenido por sus obras, pudo
alquilar una mansión del siglo XVII para convertirla en su residencia en
Knostrop Old Hall, donde viviría hasta su muerte. A finales de la década de
1870, alquiló otra casa en Scarborough para permanecer en los meses de verano,
a la que llamaba su "castillo junto al mar". Las dos localizaciones
quedaron reflejadas en varios de sus cuadros.
Algunos de sus hijos, Arthur Grimshaw (1864–1913), Louis H.
Grimshaw (1870–1944), Wilfred Grimshaw (1871–1937) y Elaine Grimshaw
(1877–1970) fueron también pintores.
Obra.
Grimshaw estuvo influenciado principalmente por los pintores
prerrafaelitas, sobre todo por el pintor de paisajes John William Inchbold,
también de Leeds. Fiel a este estilo, creó paisajes de colores precisos,
luminosos, de vívido detalle y realismo, a veces, usando fotografías para
asegurar la precisión. Pintó paisajes que tipificaban las estaciones o algún
momento climático, escenas callejeras de la ciudad o los suburbios y vistas, a
la luz de la luna, de los muelles de Londres, Leeds, Liverpool o Glasgow. Su
cuidadosa pincelada y su habilidad para representar los efectos lumínicos le
permitía capturar con gran detalle los aspectos y el ambiente de las escenas.
Sus "cuadros de calles húmedas iluminadas con gas y de muelles entre la
niebla, transmiten una extraña calidez y una alienación de la escena
urbana".
Dulce Domum (1855), en cuyo reverso Grimshaw escribió,
"pintado en su mayor parte con grandes dificultades", capta la música
retratada en la pianista, atrae la vista deambulando por la sala ricamente
decorada y se detiene en la joven sentada que escucha silenciosamente. Grimshaw
pintó escenas de interiores, sobre todo en la década de 1870, cuando trabajaba
bajo la influencia de James Tissot y el movimiento estético.
En Hampstead Hill es considerado uno de los mejores trabajos
de Grimshaw, ejemplificando su habilidad con diferentes fuentes de luz,
capturando el ambiente del paso del crepúsculo a la noche. En su obra
posterior, sus escenas urbanas bajo el crepúsculo o el alumbrado público
macilento fueron muy populares entre sus clientes de clase media.
Los cuadros de Grimshaw muestran el mundo contemporáneo,
pero evitan los aspectos sucios y deprimentes de las ciudades industriales.
Barcos en el Clyde (Shipping on the Clyde), muestra los muelles victorianos de
Glasgow y es una bella evocación lírica de la era industrial. Grimshaw
transcribió la niebla y la bruma con tanta precisión como para capturar el frío
en el aire húmedo y la humedad que penetra el pesado ropaje de las pocas
figuras despiertas en la temprana mañana brumosa.
Mientras algunos artistas de la época, como Vincent Van Gogh
y James Smetham, dejaron cartas y documentos que registraban sus trabajo y sus
vidas, Grimshaw no dejó detrás suyo cartas, diarios o documentos. Los
estudiosos y los críticos tienen poco material sobre el que basar su
comprensión de su vida y carrera artística.
Grimshaw fallecido en 1893, fue enterrado en el cementerio
de Woodhouse Hill, Hunslet (Leeds). Su mayor reputación y legado se basa,
principalmente, en sus paisajes urbanos. Hubo un resurgimiento del interés en
su obra en la segunda mitad del siglo XX, con varias exposiciones dedicadas.
Una exposición retrospectiva "Atkinson Grimshaw - Pintor de la luz de la
luna" se desarrolló entre el 16 de abril y el 4 de septiembre de 2011 en
la Mercer Art Gallery de Harrogate y, posteriormente, en la Guildhall Art Gallery
de Londres.
domingo, 29 de septiembre de 2013
EL Círculo Cromático
El Círculo Cromático.
A lo largo de la historia, diversos investigadores han
intentado ordenar el color de varias maneras, ya sea en forma bidimensional o
tridimensional, tomando en cuenta las distintas variables. La forma en que los
teóricos y artistas plantearon el estudio racional de las armonías de color son
los llamados círculos cromáticos, que tienen por objeto interrelacionar los
colores del espectro y sus derivaciones, definiendo así sus múltiples
transiciones. El círculo cromático – también llamado círculo de matices, rueda
cromática o rueda de color – es el resultante de distribuir alrededor de un
círculo, los diferentes colores que conforman el segmento de la luz visible del
espectro solar, descubierto por Newton, y manteniendo el orden correlativo:
rojo, naranja, amarillo, verde, azul
ultramar y violeta.
Orígenes del Círculo Cromático
Pero esta división del espectro en siete colores ideada por
Newton fue mayoritariamente arbitraria, pues en el arcoiris no existen tales
separaciones y parece dictada por su obsesión con la numerología. La rueda
cromática resultante es algo caótica: los segmentos son de distintos tamaño, y
rojo, amarillo y azul, los colores primarios tradicionales, no se distribuyen
uniformemente alrededor del círculo.
Las ruedas cromáticas que idearon teóricos posteriores casi
siempre se basaron en una distribución equidistante de los colores primarios,
sean cuales sean. El primer círculo cromático de colores equidistantes lo
realizó en 1776 el grabador Moses Harris, con el nombre Sistema Natural de los
Colores, y contenía 18 tonalidades fundamentales.
Más adelante, Goethe creó el suyo, en acuarela, con los tres
colores primarios – amarillo puro, azul ultramar y un aclarado tono púrpura –,
junto con sus complementarios. Luego, una docena de artistas continuaría la
tarea de jugar con las más diversas figuras geométricas. Runge se basó en un
triángulo. Clerk Maxwell lo logró de manera elemental por la rápida rotación de
unos círculos cromáticos llamados también discos Maxwell, en tanto que el
químico Wilhelm Ostwald siguió un esquema de color romboide1. Una vez que estas
formas de distribuir y ordenar los colores se fueron complejizando, comenzaron
a llamarse sistemas o modelos de color.
Sin embargo, fue en la escuela alemana de artes y oficios,
la Bauhaus, donde dos de sus maestros afinaron modernas teorías del color,
creando cada uno su propia geometría: Johannes Itten y Paul Klee. El primero
publicó El Arte del Color, donde surge la primera estrella basada en la
polaridad de colores planteada por Goethe. El segundo, inspirado a su vez en el
triángulo de Runge, logra que el color deje de ser estático y adquiera
movimiento; ese cambio implica a todo pigmento que, finalmente será mezclado en
la paleta.
Especificación del Círculo Cromático
El círculo cromático más común – el usado por los artistas
pictóricos – se basa en el rojo, amarillo y azul, el sistema sustractivo
imperfecto que suelen adoptar los profesionales que trabajan con pintura,
tejidos u otros materiales reflectores. Los colores primarios de la rueda se
combinan también con los secundarios, cada uno de los cuales representa una
combinación de primarios adyacentes. También se incluyen seis terciarios, con
los que se obtiene un total de 12 colores.
Aunque las ruedas cromáticas indican los colores que hay que
mezclar para obtener secundarios y terciarios, no determinan las proporciones
necesarias. Como la luminosidad y la saturación de los primarios varía, se
deberían precisar proporciones desiguales para obtener un color visualmente
equidistante entre sus dos componentes3.
La rueda de procesos – basada en el modelo CMYK, de la
impresión gráfica – muestra las mezclas de tinta cian, magenta y amarilla. Al
contrario que otras ruedas sustractivas, esta muestra un espectro completo de
colores, incluidos el rojo, el verde, y el azul (RGB) como secundarios
relativamente puros.
De forma similar a esta última, pero a la inversa, la rueda
de luz – basada en el modelo RGB – muestra como primarios el rojo, el verde, y
el azul, y como resultado de mezclar la luz, el cian, el magenta y el amarillo
como secundarios. Este modelo es el que suelen utilizar los profesionales del
diseño de iluminación, el diseño para pantalla, y las personas que trabajan con
medios translúcidos.
jueves, 19 de septiembre de 2013
Caspar David Friederich - Der Wanderer über dem Nebelmeer
+(1).jpg)
He aquí una de mis pinturas favoritas: El Caminante sobre el mar de nubes, del pintor alemán Caspar David Friederich. Una obra enigmática con varios simbolismo en su composición. Fue pintada en el año 1818 y tiene a Friederich como protagonista ( el hombre que está de espaldas ).
Claramente se puede observar la denotación intrínseca del más allá: El hombre mirando hacia el horizonte blanco e infinito que representa una eternidad próxima,
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